Palazzetto Leo è una finestra sull’Oriente

Il palazzo ristrutturato è un esempio di casa padronale e, allo stesso tempo, una finestra sull’Oriente poiché ospita una raccolta di manufatti Giapponesi e Cinesi. Si inizia la visita del museo dal terzo piano dove si ha la possibilità di avvicinarsi alla figura leggendaria del Samurai: dalle armature, alle armi come lance, archi e spade tra cui le mitiche katane. La cosa che forse colpisce di più è la minuzia con cui venivano rifiniti tutti questi oggetti, ad esempio: l’ armatura è per lo più costituita da scaglie metalliche legate una per una con dei fili di seta; le spade hanno l’impugnatura di pelle di razza e, al di sopra di essa, sono intrecciate delle fettucce insieme a delle
piccole sculture in metalli preziosi di animali; mentre i foderi di legno sono o colorati o abbelliti con un mosaico di madreperla laccata.

Chi erano di preciso i samurai?

I samurai rappresentavano la casta militare fino alla Restaurazione Meiji, fine del XIX secolo, quando furono sostituiti dal’ esercito in stile occidentale. A fronte di molti privilegi, questi dovevano non solo conoscere l’ arte della guerra  ed essere fedeli al loro signore, ma affinare anche altre arti come la poesia, il teatro o la pittura. In più, dovevano seguire uno stile di vita irreprensibile come gli imponeva il Bushido, ossia un codice di condotta morale simile a quello cavalleresco. Quindi erano molto attenti ai bisogni degli altri, specie dei più deboli, come donne e bambini, ma nutrivano un profondo disprezzo per il nemico che si arrendeva e l’ unica morte onorevole per loro era quella in guerra.

I piani dedicati alla Cina e al Giappone

Al secondo piano sono collocati oggetti di uso comune sempre dal Giappone come porcellane, strumenti musicali, utensili per la scrittura e altri portaoggetti. Non mancano le pitture e arazzi dove spesso sono rappresentate donne dagli abiti raffinati e coloratissimi da cerimonia. Al primo piano si posso ammirare manufatti cinesi, soprattutto porcellane dai disegni blu a sfondo bianco e abiti tradizionali in seta.

Oltre a quello di Trieste, in Italia ci sono molti musei dedicati all’Arte Orientale che consiglio di visitare per il fascino che traspare da ogni oggetto, sia per il tempo che gli è stato dedicato per completarli perché rifiniti in ogni particolare, sia per gli usi e i costumi che si colgono attraverso essi.

L'articolo Scoprire l’Asia restando a casa: il Museo di Arte Orientale sembra essere il primo su Venti Blog.

Un vaso che forma in contrasto due volti, uccelli che si trasformano in pesci o ancora scale che si intrecciano fra di loro così da sfidare le leggi di gravità. Ecco, se ti sei mai soffermato ad osservare queste immagini probabilmente anche tu sei rimasto affascinato da questo artista olandese visionario: Maurits Cornelis Escher. Sì, perchè anche se nato nel 1898 è riuscito ad influenzare così tanto le generazioni successive che chiunque o ha visto le sue opere o la loro rivisitazione su giornali, fumetti, copertine di dischi musicali e persino in alcune pubblicità e cartoni animati.

I vent’anni di Escher

Escher seguì gli studi in modo svogliato e a ventun’ anni si iscrisse alla Scuola di Architettura e Arti decorative di Haarlem perché il padre sperava diventasse un architetto, ma lui passò quasi subito allo studio delle arti decorative sotto la guida del suo maestro de Mesquita. Dopo tre anni abbandonò la scuola e, poichè era caduto in depressione, i genitori decisero di fargli visitare l’ Italia, come tra l’altro erano soliti fare i giovani benestanti del Nord Europa. Ed è proprio qui, all’ età di ventiquattro anni, che avvenne la svolta nella sua carriera artistica. Rimase infatti così colpito dal Bel Paese che nel ‘23 si stabilì a Roma e vi rimase per circa 15 anni, anni che lui stesso definì i migliori della sua vita. In questo periodo attraversò tutta l’ Italia, ma quello che per lui era “il posto più bello del mondo” era proprio il Sud.

“Il posto più bello del mondo”

Nell’aprile del 1930 salpò da Napoli insieme ad altri 3 amici e arrivò a Pizzo Calabro e da qui vagò per tutta la Calabria visitando piccoli paesi sul mare, come Tropea, Scilla, Cariati e Gerace o, attraverso mulattiere, paesini arroccati sull’Aspromonte, come Pentidattilo. Questi luoghi sono rimasti invariati per molti decenni se non addirittura secoli quindi le litografie di Escher sono quasi sovrapponibili a come sono oggi molti di questi borghi. Rappresentò la Cattolica di Stilo, di epoca bizantina, con le sue caratteristiche cupole proprio perché attratto dai “tetti curvi” e quindi si interessò anche alle opere moresche disseminate per il Meridione, come quelle sulla Costiera amalfitana e in Sicilia.

La geometria che distorce la realtà

Con i suoi disegni e xilografie, Escher usa le sue conoscenze della geometria per distorcere la realtà, come nel “Belvedere”, dove ad un primo sguardo sembra che la struttura segua le leggi della prospettiva, ma guardando meglio due colonne si intrecciano, proprio come nel cubo che ha in mano un uomo seduto in basso. Quindi, dal bidimensionale della carta riesce a creare il tridimensionale, come in “Mani che disegnano”, dove sembra proprio che queste si realizzino a vicenda.

Escher dà anche una valenza morale alle sue opere, come in “Incontro”, dove omini bianchi e neri al centro della rappresentazione si danno la mano: per il quadro sono necessari il bianco ed il nero per crearlo così come in natura sono necessari gli opposti .

Escher: dove, quando e perché

Vi consiglio di visitare la mostra su Escher al Museo di Santa Caterina a Treviso che si terrà fino al 3 aprile, aperto tutti i giorni dalle 10 alle 20.
Può essere anche un’ occasione per visitare Treviso, che è magnifica, attraversata da fiumi e da canali che la rendono molto pittoresca, alle pendici delle Alpi ora innevate.

L'articolo Escher: studente svogliato, ragazzo depresso, genio senza eguali sembra essere il primo su Venti Blog.

“Caro Theo, non posso farci niente se i miei quadri non si vendono. Ma verrà il giorno in cui si vedrà che valgono più del colore e della vita, seppur misera, che ci sto rimettendo”. Queste parole vennero scritte da Vincent Van Gogh al fratello, ma probabilmente neanche lui immaginava quanto si sarebbero rivelate vere.
A 125 anni dalla sua scomparsa, un documentario sulla vita e le opere di questo grande artista è stato proiettato il 14 aprile scorso in contemporanea in più di 1000 sale cinematografiche in tutto in mondo, a prova di quanto oggi sia ammirato e amato ovunque. In questa rappresentazione cinematografia, “Vincent Van Gogh, un nuovo modo di vedere”, il regista, David Birckestaff, ripercorrendo la vita dell’ artista e delle opere, inserisce i commenti dei curatori della mostra del museo Van Gogh di Amsterdam, del direttore del museo, Axel Ruger, e di storici dell’ arte, oltre alle parole del pronipote di Theo, Vincent W. Van Gogh.

Anch’io sono andata a vedere il documentario, e ne sono rimasta colpita e affascinata. Voglio così ripercorrere con voi le tracce di questo grande artista, raccontandovi in breve la sua vita, le opere e le curiosità apprese dal documentario di Birckestaff.

Van Gogh nacque a Groot Zundert in Olanda, in una famiglia numerosa di un pastore protestante. Anche se i suoi studi di arte furono incostanti, Vincent leggeva molto, parlava più lingue tra cui il francese e l’ inglese, e aveva una profonda conoscenza della Parola di Dio, tanto che si persuase di voler diventare un predicatore. Così, abbandonò gli studi per andare a vivere con i minatori di Borinage, nel Belgio meridionale. Nelle numerose epistole che mandò al fratello, descrisse la fame, la miseria e gli incidenti mortali che segnavano la vita dei minatori e delle loro famiglie, e mandò anche numerosi disegni con colori ad acquerello del paesaggio.
Ma conoscere bene la Bibbia ed essere un fervente predicatore non gli permisero di superare l’ esame per diventare un pastore protestante, così ritornò alla pittura. Seguì corsi di anatomia e disegno prospettico all’ Aja, Bruxelles, passando per Londra, dove ebbe l’ opportunità di visitarne i musei, lasciandosi influenzare da vari artisti. Nel 1883 fu nel Brabante e qui visse con i contadini. Vedeva nel duro lavoro di questi un esempio della vita che un buon cristiano doveva condurre per essere più vicino a Dio. Dietro “I mangiatori di patate” ci fu un grande studio da parte di Vincent, quindi si può immaginare il suo profondo rammarico nel vedere la tiepida accoglienza che ricevette il suo quadro quando venne mostrato al pubblico…
Così, nel 1886 decise di recarsi in Francia, dal fratello Theo, che era diventato un famoso mercante d’ arte, e a Parigi seguì lo studio di Fernand Cormon. Qui entrò in contatto, tra gli altri, con gli impressionisti e i divisionisti o puntinisti, e la sua arte maturò.
Fu influenzato anche dalle pitture giapponesi che erano molto in voga all’ epoca e ne copiò alcune, anche se con colori e tratti diversi, come “Il samurai”, utilizzando dei colori molto pastosi, che quasi emergono dal quadro e che in alcuni casi sono molto intensi e in altri più chiari.
Parigi, però, iniziò presto ad essere asfissiante, così Vincent decise di spostarsi ad Arles, nel Sud della Francia. Visse nella famosa “casa gialla” ed ebbe come soggetti sia gli abitanti del paese, che posavano per lui, sia la natura rigogliosa che tanto amava. La sua tavolozza si colorò soprattutto di giallo, colore che inonda le terre soleggiate del Mediterraneo; e fu proprio in questo periodo felice che dipinse “I girasoli”.
Sperava che ad Arles lo raggiungessero altri artisti, ma solo Gauguin andò ad abitare con lui. Dopo l’ ennesima discussione sull’arte Van Gogh cercò però di uccidere l’ amico, che andò così via da Arles. Come famoso gesto autopunitivo, Vincent si tagliò un orecchio e nel 1889 si fece internare nella clinica per alienati mentali di Saint-Rémy de Provence. Iniziò però per la sua attività un periodo molto prolifico, in cui l’ arte diventò “parafulmine” della sua malattia: è proprio qui che nacquero gli “Iris”.
In seguito decise di riavvicinarsi al fratello, ma non sopportando il trambusto della metropoli parigina si sistemò in un paese vicino, Auvers-sur-oise.
Sebbene fosse accudito dal medico Gachet, che era anche un collezionista e amico di altri pittori, la sua salute peggiorò e la mattina del 27 luglio del 1890 decise di incamminarsi nei campi e spararsi.
Morì solo alcuni giorni dopo, con una lenta agonia. Essendo però protestante e suicida, il prete del paese si rifiutò di celebrare la messa funebre, e il fratello Theo e gli amici, per ricordarlo, si riunirono nella sala da pranzo dell’ albergo che lo ospitava, dopo aver attaccato alle pareti alcuni suoi dipinti, che ancora si stavano asciugando.
Di lì a poco morì anche Theo, e venne sepolto accanto a lui.

Birckestaff chiude il documentario con una frase di Van Gogh: “l’ arte è lunga, la vita è corta”. Si tratta un aforisma di Ippocrate, legato all’ arte medica, a cui Van Gogh dà un nuovo significato, affermando che la vita è misera e l’ unico modo per uscirne è compiere cose grandi.
Proprio come lui, che ha vissuto miseramente, compiendo però grandi opere e (forse, folli) gesti.

L'articolo L’ arte è lunga, la vita è corta sembra essere il primo su Venti Blog.

In Tv, sui giornali e attraverso internet veniamo costantemente aggiornati delle ormai infinite decapitazioni, omicidi, atti di guerra e attentati compiuti dallo Stato Islamico, ma vorrei rivolgere l’ attenzione ad una barbarie che non comporta spargimenti di sangue, ma che non di meno ci riguarda da vicino. Infatti, Irina Bokova, direttrice generale dell’ Unesco, ha definito come “ crimine di guerra” la distruzione e la vendita di reperti archeologici e di opere d’ arte compiuti in Siria e Iraq dall’Isis. L’ elenco sarebbe troppo lungo, basti pensare che 2000 siti archeologici iracheni sono controllati dallo IS, ma ricordiamo:

– il sito archeologico di Nimrud distrutto dai bulldog. Questo racchiude i resti dell’ antica città di Ninive, sul fiume Tigri , capitale dell’ Impero Assiro citata nella Bibbia. Nel vicino museo di Mosul sono stati distrutte le statue che custodiva, anche se il direttore del Museo di Bagdad ha dichiarato che erano dei falsi e che gli originali sono al sicuro nella capitale. Nuafi, governatore della città, ha confermato quanto detto prima, ma ha fatto notare che due statue, un toro alato e il dio Rozan, erano originali;

– Hatra, distrutta con bombe e ruspe. Questa città, patrimonio dell’ Unesco in Iraq, fiorì tra il 2 e 3 secolo d.C. e passò dall’ essere capitale di un piccolo regno semitico, a centro romano e poi persiano. Fu un importante snodo commerciale sulla Via della Seta e si potevano ancora ammirare edifici costruiti in stile romano che erano adibiti a luogo di culto per il dio del sole.

– Crac des Chevaliers, castello risalente al periodo delle crociate, ubicato nella provincia di Homs in Siria. Questo è posto nell’ unico corridoio che dal centro della Siria porta alla costa ed è appartenuto ai cavalieri di Malta. Per quanto la sua funzione fosse di difesa, all’ interno seguiva un’ architettura raffinata, con archi acuti, tipici medievali di origine araba. Qui hanno trovato riparo i miliziani del Daesh dal bombardamento dell’ esercito siriano. Sono andate perse parti del castello e un’incisione che recitava in latino: “Grecia, saggezza e bellezza puoi godere ma diffida dell’ orgoglio che da solo può offuscare tutto il resto”.

– Dura Europos, fondata dai Seleucidi, dinastia di re ellenistici arrivati al seguito di Alessandro Magno, sulla riva dell’ Eufrate in Siria. Questi le diedero il nome della loro città di origine: Europo. Divenne poi romana, fu sotto il regno dei Sassanidi e dei Parti. Molti edifici si sono salvati perché coperti di terra per rinforzare le mura di cinta dai soldati romani che difendeva la città dall’ assedio dei Sassanidi. Quest’ ultimi, infatti, cercarono di entrare nella città scavando un tunnel sotterraneo e costruendo una rampa per scavalcare le mura. I detriti coprirono tra gli atri: una sinagoga, che contiene affreschi che rispecchino l’ arte paleocristiana; una casa romana, che contiene una grande sala dove si riunivano le prime comunità cristiane, con affreschi che sono probabilmente la prima rappresentazione pittorica cristiana con raffigurazioni delle scene della vita di Cristo e che seguono l’ iconografia ellenistico ebraica; un mitreo, tempio dedicato al culto di Mitra, che ora si trova negli USA. Il sito è stato danneggiato e sono stati saccheggiati il museo e il sito di ricerca vicini;

– l’ ultimo è stato l’ attacco al Museo del Bardo a Tunisi, che ha causato al morte di 23 persone, di cu 4 italiani. Questo contiene la più ricca collezione di mosaici romani al mondo, più altre opere d’ arte.

Circa un mese fa, i jihadisti hanno diffuso un video girato mentre distruggevano delle statue, con tanto di ralenti ed enfatico sottofondo musicale. Il messaggio sembra essere: se l’Occidente si oppone, fa la fine delle statue. In più c’ è anche l’ ipocrisia di vendere i piccoli reperti, ma di grande valore, per finanziarsi. Distruggere i resti antichi, in una zona, come quella del Medio Oriente, culla di civiltà, equivale a distruggere l’ identità di un popolo la cui Storia è strettamente collegata a quella occidentale tanto da essere inseparabili. L’ obiettivo è quello di fondare una nuova civiltà musulmana, ma così si crea un uomo che non impara dagli errori del passato, rendendogli più difficile vedersi nel suo simile. Capire questo, vuol dire superare differenze culturali e religiose che ovviamente l’Isis tende ad acuire per arrivare allo scontro diretto, rendendolo inevitabile.

L'articolo Se polverizzano la memoria. L’Isis e la crociata totale contro l’Occidente sembra essere il primo su Venti Blog.

Tra il XV e il XVI secolo,in una Italia divisa e dilaniata dalle guerre, la Repubblica di Venezia prosperava con i commerci e cominciava a rivolgere le sue mire espansionistiche anche alla terra ferma. Ciò non poteva che infastidire gli altri stati europei, primo fa tutti lo Stato Pontificio che istigò altre potenze a cercare di fermare la Serenissima. Ma quest’ ultima, con vari stratagemmi, uscì vincitrice dalla guerra ed è proprio in questo scenario che si pongono le vicende dietro al quadro “Amor sacro e Amor profano” di Tiziano. Questa opera, infatti, fu commissionata da Niccolò Aurelio, gran cancelliere di Venezia, per le sue nozze con la padovana Laura Bagarotto. Il padre della ragazza, però, fu accusato di aver aiutato gli invasori a Padova a scapito di Venezia e per questo fu condannato a morte dallo stesso Aurelio. Il quadro doveva quindi riappacificare le due casate e il compito fu affidato ad un venticinquenne Tiziano Vecellio nel 1514.

L’ opera rappresenta in primo piano due donne: una vestita con i classici abiti da matrimonio, di colore bianco e rosso alla dogalina con le maniche risvoltate, e adornata con una corona di mirto, dei guanti e una cintura; mentre l’ altra ha solo un drappo rosso che dal braccio cade fino ai piedi e uno bianco adagiato sulle gambe, con in mano una lampada ardente. Entrambe sono sedute su un sarcofago che contiene dell’ acqua agiata da un puttino. Sullo sfondo, alla destra della prima donna, si trova un cavaliere che di corsa raggiunge una città fortificata, riferimento alle vicende belliche prima citate, e in basso due conigli, simbolo di amore e fertilità. A sinistra, invece, si trova un paesaggio bucolico, molto apprezzato all’ epoca, dove si possono scorgere degli uomini a caccia, un pastore con le greggi e un paese con un campanile.

Sono state date moltissime interpretazioni a questo quadro, ma se ci si attiene al tema del matrimonio la donna vestita potrebbe essere la sposa, che, rivolta al fruitore con uno sguardo un po’ inquieto, è persuasa da Venere a sposarsi, mentre il puttino, Amore, è il mediatore. Sotto vi è il sarcofago, che contiene l’ acqua della fonte, con un bassorilievo che raffigura un uomo mentre percuote un altro a terra, con una donna che assiste alla scena. Il fatto che questa storia sia impressa nel marmo indica che ormai appartiene al passato. Secondo un’ altra interpretazione, le due donne rappresentano le due anime del matrimonio: quella vestita, l’ amore sensuale; quella nuda, l’amore ideale. A maggior ragione se si pensa che già nell’ antica Grecia gli scultori rappresentavano le idee con i nudi e le persone con uomini e donne vestiti.

Quello che è certo è che Tiziano vede l’ umanità fortemente carnale, senza più l’ equilibrio tra spirito e corpo tipico del classicismo. Infatti, Argan afferma: “nell’ apparente armonia” di questo quadro “è tutto un gioco di contrasti. Nel tema: tra il riserbo della donna vestita e la vitalità della donna nuda; tra figure e paesaggio, umanità e natura; tra il sarcofago, immagine di morte,e il suo farsi fontana, immagine di vita”. Il colore ad olio,usato su più strati, assorbe e riflette la luce e la tavolozza si accentra sul tono del rosso, proprio per attirare l’ attenzione, affinchè “le emozioni visive” provochino “reazioni morali”.

L'articolo Il matrimonio, tra quiete apparente e forti contrasti sembra essere il primo su Venti Blog.

Un uomo disilluso, alla soglia dei 60 anni, si trova a dover affrescare una parete di quasi 170 mq con un solo aiutante che gli mischi i colori. Non ha voluto consiglieri per stabilire come affrontare un tema così delicato come il Giudizio Universale in un luogo così importante come la Cappella Sistina, anche se sa bene che sarà esposto a molte critiche. Non c’ è da meravigliarsi, Michelangelo, infatti, è molto particolare. Già da piccolo mostra il suo enorme talento e lo usa per burlarsi del maestro, si dimostra legato al denaro e con poca voglia di aiutare i congiunti, ha il naso storto, ricordo di un pacato scambio di opinioni con un gentiluomo. In più ha problemi alla colonna vertebrale che gli erano stati causati 20 anni prima mentre affrescava il soffitto della stessa cappella.
Eppure Clemente VII e poi Paolo III hanno voluto proprio lui per un lavoro così delicato. Il primo è il papa che ha visto Roma saccheggiata per un anno dalle truppe germaniche di fede luterana, i lanzichenecchi di manzoniana memoria. Questo evento spinse la Chiesa ad un’ autocritica che, con il secondo, si concretizzò nel Concilio di Trento e quindi nella Controriforma. E l’ arte si adegua passando da raffinata e di difficile interpretazione a pedagogica e comprensibile per le masse. L’ affresco del Giudizio Universale fa parte di questo secondo filone ed è sicuramente di forte impatto, incute terrore e sgomento come traspare dai visi dei personaggi raffigurati, oltre che dai corpi muscolosi in tensione. In più Michelangelo non segue sempre quella che è l’ iconografia tradizionale, risultando quasi lui stesso un eretico, specie agli occhi dei molti detrattori che aveva in Vaticano.
Ma partiamo dall’ inizio. Il fulcro della rappresentazione è sicuramente il Cristo, stranamente senza barba, e lo si riconosce dai fori sui piedi, con il braccio destro levato a condannare e il sinistro piegato davanti al corpo in un gesto di accoglienza ai beati. Persino la madre, “Avvocata Nostra”, ha un gesto di ritrosia davanti alla determinazione del figlio. Colpisce la serenità nel volto di quest’ ultimo forse ad indicare che il suo gesto non è dettato dall’ ira del momento, ma è razionale ed è già stato stabilito. Le figure intorno si dispongono in due anelli concentrici seguendo vari livelli. Gli angeli apteri in alto nelle lunette reggono la Croce e la Colonna del martirio. Appena sotto si trovano santi e beati e si riconoscono nel cerchio più stretto: San Lorenzo con a graticola, San Pietro con le chiavi e Sant’ Andrea con la croce. Mentre nel cerchio più esterno sono affrescate: a destra alcune donne e a sinistra un gruppo di persone, soprattutto uomini,tra i quali si scorge San Sebastiano con le frecce. In basso a destra è raffigurata la risalita delle anime e a sinistra la discesa, quasi a seguire il vortice creato dalle braccia di Cristo. In basso a lui e al centro sono presenti angeli, che annunciano la fine dei tempi, suonando delle trombe con gli occhi strabuzzati. Nel livello più basso si vedono: uomini che escono dalle proprie tombe , la lotta per le anime tra angeli e diavoli, Caronte sulla barca nell’ atto di colpire i dannati per spingerli sulla sponda dove li aspetta Minosse con le orecchie d’ asino, circondato da un serpente che gli morde i genitali.
Qualcuno scrisse che i corpi muscolosi michelagioleschi sono ripetitivi, ma qui si ha l’ idea dell’ uomo-eroe rinascimentale, perché, come fa notare Argan ‹‹il peccato ha rotto il sodalizio tra l’uomo ed il resto del creato; l’uomo è ormai solo nella sua impresa di riscatto; ma la causa della sua disgrazia, la superbia davanti a Dio è anche la sua grandezza››. Inoltre, i sentimenti che traspaiono dai volti di tutte le figure sono interpretati da Anthony Burgess secondo l’ idea che: “nessun uomo poteva sentirsi beato, nessun uomo poteva andare gioiosamente in Paradiso, sapendo che altri esseri umani avrebbero sofferto le pene dell’ Inferno”.
Si ricorda che da poco nella Cappella Sistina sono state istallate luci a led, che permettono di notare particolari che prima non era possibile scorgere, e vedere i colori nel modo più naturale e realistico possibile.

L'articolo Il Giudizio Universale attraverso gli occhi di Michelangelo sembra essere il primo su Venti Blog.

Una tela con tanto di cornice appesa ad un muro dal colore neutro, con davanti una catena tesa fra dei paletti a fare da separé con i visitatori e con affianco un cartellino che recita la frase: “io sono io, noi siamo noi e questo è quanto” in inglese, come titolo dell’ opera. Tutto normale se non fosse che si trova all’ aperto su una strada trafficata di Milano con molte persone che passano sul marciapiede e alcuni curiosi che si fermano a guardare e a fare una foto proprio come in un museo. Il soggetto dell’ opera è Matteo Renzi che, elegante e accompagnato dalla fidanzata Elena Maria Boschi, si presenta ai genitori di lei ossia Mario Draghi e Angela Merkel. Ma alle spalle del presidente del consiglio spuntano altri Matteo questa volta, però, reduci da feste brave. C’ è quello vestito da coniglio, quello con il sombrero e una birra in mano e quello con un fascia rosa con la scritta BAD GIRL. L’ intento di Beast, pseudonimo dello street artist milanese, è quello di mostrare l’ Italia che ha vissuto per troppo tempo spendendo troppo e ora si trova a dover riacquistare una credibilità all’ estero ormai compromessa, come ha dichiaranto a ilfattoquotidino.it. Il titolo dell’opera è molto particolare, l’autore ha dichiarato nelle pagine dello stesso quotidiano di rifarsi alla famosa frase: “perché io sono io e voi non siete un…”- penso che si sappia come finisce – che viene pronunciata dal Marchese del Grillo nel film omonimo, interpretato da Alberto Sordi. Nella scena questi evita di andare in galera insieme ad altri straccioni perché appunto è un nobile. L’ accostamento che viene fatto al Marchese è molto interessante, lui infatti ha un linguaggio molto schietto, che sconfina nell’ arroganza e in più è un burlone che prende in giro tutti compreso il papa e la Giustizia facendola sempre franca, ma allo stesso tempo non cerca di sovvertire l’ ordine delle cose perché non vuole perdere quei privilegi che ha essendo un nobile nella Roma papalina.

Beast impiega ore per la messa in posa dei suoi personaggi nel fotomontaggio con l’ intendo di divertire il suo pubblico, ma insieme al sorriso viene anche la riflessione sull’ attualità. Miscere utile dulci. Curiosamente questi non si definisce un artista e infatti, sempre nelle pagine dello stesso quotidiano, dichiara: “Arte? Non penso di fare arte, ho troppo rispetto per gli artisti che ammiro per definirmi tale. Realizzo collage e li espongo. Se riesco a farti ridere, ho fatto centro” e in più “nei miei lavori cerco di evitare un giudizio strettamente politico, piuttosto mi appassiona la persona dietro al leader, quello che la sua faccia riesce ad esprimere oltre le parole che qualcuno gli ha scritto”. Come soggetti non ci sono solo Renzi e i rappresentanti del PD, ma anche Berlusconi e i suoi. Quest’ ultimo, ad esempio, viene ritratto seduto su una poltrona in una stanza che cade a pezzi in un quadro dal titolo: “I’ ve got friends with two faces, but I don’t have one damn soul”, che lascia poco all’ interpretazione.

Questo street artist ha affisso le sue opere in Europa e in America, come a Grenoble, Monaco, Berlino, Ginevra, Albertville, Los Angeles, solo per citarne alcune e proprio in questi giorni a Milano in Corso Garibaldi Beast ha esposto nuovi quadri su rappresentanti del PD come D’ Alema dal titolo “Stayed away a thousand days and things have changed like a decade”. Comunque le opere di Beast vengono a volte rimosse da passanti o dalla polizia, ma possono tutte essere visualizzare sul suo sito beastmaster.tv.

L'articolo I am me, we are us and that’s all sembra essere il primo su Venti Blog.

Il giovane Gian Lorenzo Bernini aveva di sicuro in mente le Metamorfosi di Ovidio quando scolpiva nel marmo due personaggi ansimanti dopo una lunga corsa e stravolti dal brutto tiro giocato loro da Eros. L’autore latino infatti descrisse nella sua opera di come Apollo aveva preso in giro il figlio di Venere, affermando di essere più bravo di lui con arco e frecce, e di come questi si era poi vendicato colpendolo con una freccia d’ oro. Apollo quindi si innamora perdutamente della ninfa Dafne. La giovane, però, colpita a sua volta da una freccia con l’ anima di piombo da Eros, è portata a rifiutare il figlio di Zeus. Apollo rincorre Dafne e quando sta quasi per raggiungerla la ninfa chiede al padre Peneo di trasformarla e questi la fa diventare una pianta di alloro.

Il Bernini è uno scultore, architetto, pittore, ma anche autore di teatro e scenografo che visse tra il 1598 e il 1680, in epoca barocca. Figlio d’ arte, già da subito mostra le sue enormi doti di scultore e così appena ventenne comincia a scolpire 4 statue per il cardinale Scipione Borghese, tra cui Apollo e Dafne. Per lui l’ immaginazione crea la realtà e l’ artista la rende tangibile tramite la tecnica. L’immaginazione sostituisce la realtà, quella stessa realtà che Caravaggio pochi anni prima aveva descritto come oscura, vuota e dominata dalla sofferenza e dalla morte. Lo scultore si rifà quindi all’ arte ellenistica che “voleva rappresentare le cose non come sono ma come appaiono” e l’ immagine si carica di “significati allegorici”. Come quest’opera appunto che sarebbe stato impensabile esporre in casa di un cardinale se non fosse che reca in basso un’iscrizione latina che recita: “chiunque amando segue le gioie della bellezza effimera riempie le mani di fronde o raccoglie bacche amare”. La scultura rappresenta Apollo che ha ormai raggiunto Dafne, ma questa si sta già trasformando in alloro. La ragazza è ancora sbilanciata dalla corsa e porta il busto in avanti, gli arti stanno già diventando un troco e la mano di Apollo è poggiata sul legno che la sta avvolgendo, mentre dai piedi partono le radici e le dita delle mani si stanno trasformando in rami e foglie come anche i capelli. La gamba sinistra sollevata e il telo che lo avvolge mosso dal vento dà il senso del movimento ad Apollo che si è appena fermato dalla corsa e non ha il volto trasfigurato come quello della ninfa perche lui è un dio. Bernini aveva concepito l’ opera in una posizione particolare nella sala perché il fruitore entrando da sinistra rispetto ad essa avrebbe visto prima Apollo, poi la trasformazione di Dafne e infine a destra le espressioni dei due personaggi, con quella teatralità che aveva appreso durante la sua carriera sul palcoscenico. Oltre al significato morale, di non cedere alla tentazioni carnali e ai peccati come prima accennato, l’ opera tratta il tema della “metamorfosi”, del “cambiare forma” e della “continuità tra essere umano e natura”.

La scultura è ubicata nelle stanze di Villa Borghese a Roma, ricca anche di molti altri capolavori come “Amor Sacro e Amor Profano” di Tiziano, “Paolina Borghese” di Canova, “Deposizione” di Raffaello. Dopo aver visitato gli interni della villa si può cogliere l’ occasione di visitare i grandi giardini che la circondano dove si possono incontrare molte famiglie con bambini o persone che fanno un picnic sull’ erba. Qui si trovano oltre ad una grande varietà di piante e animali, giardini all’ italiana e un orologio ad acqua. Oppure si può comprare un biglietto per assistere alle rappresentazioni shakespeariane nell’unico Globe Theater in Italia che si trova proprio in questi giardini oppure visitare villa Giulia che ospita il museo di arte etrusca.

L'articolo Apollo e Dafne: la metamorfosi con la natura sembra essere il primo su Venti Blog.

“Osserva con occhi attenti e con venerazione le urne degli eroi onuste di gloria e contempla con meraviglia il pregevole ossequio all’opera divina e i sepolcri dei defunti, e quando avrai reso gli onori dovuti profondamente rifletti e allontanati”, questo è quello che recita l’iscrizione posta sulla porta d’ingresso alla Cappella Sansevero a Napoli. Questa chiesa venne fatta costruire alla fine del Cinquecento da Adriana Carafa della Spina, sposa in seconde nozze Giovan Francesco di Sangro, e dedicata alla Madonna della Pietà affinché questa intercedesse per l’anima del figlio. Venne poi abbellita di statue e quadri da Raimondo di Sangro, che si preoccupò di progettare le opere curandole nei minimi particolari e lasciando agli artisti la semplice realizzazione. La sua intenzione era quella di celebrare la sua casata e le virtù dei suoi antenati. Come nel Disinganno, una delle statue più pregevoli custodite nella Cappella e scolpita da Francesco Queirolo. Questa è dedicata al padre, uomo dissoluto che lo abbandonò da piccolo alle cure del nonno per viaggiare e che, dopo tanto tempo, si pentì e tornò a casa per dedicarsi alla vita sacerdotale.

In questa scultura è rappresentato un uomo che si libera dalla rete in cui era imprigionato, aiutato da un genio alato sulla cui testa si trova una fiammella, simbolo della ragione, e che indica il globo, ossia la vanità della cose terrene. Ciò che colpisce è sicuramente la rete, come riferimento ai i peccati che attanagliano l’animo umano, rifinita a pomice dall’artista stesso e non dalle maestranze specializzate perché queste avevano paura che si rompesse. Oltre a questi chiari simboli ce ne sono altri più criptici che si legano alla tradizione massonica che Raimondo dissemina nelle varie opere nella cappella. Questi infatti era un Gran maestro massone e proprio nella composizione scultorea del Disinganno inserisce la Bibbia. Questo testo sacro è una delle 3 grandi luci massoniche, ed è posto davanti al globo terrestre, in basso rispetto al genio. Il libro è aperto e sulla prima pagina è scritta una frase che fonde 3 versetti biblici e recita in latino: “vincula tua disrumpam vincula tenebrarum et longae noctis quibus es compeditus ut non cum hoc mundo damneri”. Ossia: romperò le tue catene, catene delle tenebre e della lunga notte, delle quali sei schiavo, affinché tu non sia condannato insieme a questo mondo. Sulla seconda pagina sono annotati i tre versetti e tra questi uno è tratto dalla Prima Lettera ai Corinzi, e recita: “ma, messi sull’ avviso del Signore, veniamo corretti, per non essere condannati insieme al mondo”. Sul bassorilievo posto a sinistra della composizione viene poi descritto l’ episodi della vita di Gesù, quando questi dona la vista ad un cieco. Vi si può leggere un riferimento al rituale di iniziazione massonica dove il nuovo membro entra con gli occhi coperti per poi riaprirli sulla nuova verità.

Dunque questa scultura esprime come l’uomo possa redimersi dai peccati seguendo i lumi della ragione e la fede, proprio come il padre di Raimondo, a cui lui dedica la frase: “fragilità umana, cui non è concesso avere grandi virtù senza vizi”.

L'articolo LA RETE SCOLPITA NEL MARMO: IL DISINGANNO DI FRANCESCO QUEIROLO sembra essere il primo su Venti Blog.

L'articolo C’è, ma non si vede. Ne La Morte di Marat l’assenza pesa più di una presenza. sembra essere il primo su Venti Blog.